狮子之泉。。。

    由于我看这部歌剧前没有看剧情介绍，所以在整个观看的过程中，我是面前摆满了未知。不同于往常知晓情节后纯粹的艺术欣赏，《托斯卡》的情节进展牵动着我的心，那些激烈的情感后充斥的悲凄与绝望，希望与激情，结局的嬗变，都给了我极大的震撼。

    《托斯卡》是一部很有特点的歌剧，在情感上营造的冲突非常动人。在音乐上它继承了意大利歌旋律优美的传统，也兼收了瓦格纳歌剧和声厚重、结构宏大的特点。风格也从缠绵哀怨变为强烈的戏剧冲突。由于在历史大背景下演绎，内容上将现实题材搬上舞台也使歌剧观众感到耳目一新。

    《托斯卡》的角色性格鲜明丰满、剧情紧凑动人，集爱情、阴谋与暴力于一体。托斯卡是位漂亮的歌剧名伶，她思想单纯、用情专一，却也有小女人多疑善妒和政治幼稚等性格弱点。无端的猜忌让狡猾的斯卡尔皮亚轻易利用，政治上的幼稚使她无法看穿斯卡尔皮亚的诡计，从而不但出卖了安杰洛蒂，也因此害死了自己的爱人。纵然亲手杀死了斯卡尔皮亚，但仍逃不脱一死殉情的宿命。悲剧的性格加上出色的唱腔，使“托斯卡”这个角色成为各个女高音的必争之地。从另一方面看，托斯卡的美丽与纯真也反衬出斯卡尔皮亚的奸险与残忍。斯卡尔皮亚是本剧中性格最突出的一个角色，乃歌剧中古往今来第一奸人，比《奥赛罗》中的依阿古、《浮士德》中的魔鬼梅菲斯特都有过之而无不及。为追捕越狱逃犯他不择手段，先是以一把女人的折扇挑起托斯卡的妒忌心以套取她的口风，继而又将有窝藏逃犯嫌疑的卡瓦拉多西抓起来严刑拷打、对托斯卡恐吓逼供。达到目的后又用“假枪决”的谎言企图强占托斯卡。虽被托斯卡亲手所杀，但戏中悲剧全部因他而起实在死有余辜。作者将剧中背景放在两大政治集团的对立斗争中，使斯卡尔皮亚的作恶动机显得真实可信。卡瓦拉多西是正面人物的代表，他的热血和正直令人敬佩。他对安杰洛蒂只是同情并非同党却甘愿冒险相救，宁死不屈。虽然他的大义凛然、慷慨赴义因缺乏有说服力的铺垫而显得单薄，但在歌剧表现力上十分令人震撼。且与那几段荡气回肠、光彩照人的咏叹调相比更是瑕不掩瑜。

    在音乐上，普契尼除了借鉴瓦格纳的风格，以绵密的织体、丰满的和声和多彩的配器去构造音乐外，更继承了意大利的美声传统，为每个主要角色都谱写了多段旋律优美动人的咏叹调。我查了一下资料，《奇妙的和谐》、《星光灿烂》、《为艺术为爱情》等都是歌剧史上不朽的著名唱段。因而使得这部歌剧上演百年来一直成为各地歌剧院长演不衰的经典剧目。

    这部剧中最打动我的还是这两幕：托斯卡在痛苦中演唱《为艺术，为爱情》，“她信奉上帝，乐善好施，可为什么在她悲伤的时刻，上帝竟然将她丢弃。...”当这首歌由为艺术和爱情而生的美丽女子托斯卡唱出的时候，那种善恶美丑中对立的感情冲突与情感共鸣就显得特别强烈。这位光彩照人的明星什么时候是在表达真实的情感？又是什么时候不过在演戏？我们不知道，但是我感觉托斯卡在整场剧中既无时无刻不在演绎着自己悲欢，又一直在真实地抒发自己的情感。这位像仙子一样不懂政治不懂黑暗，似乎生来就是为了歌唱和爱情而存在的女子，又因为俗气的嫉妒和软弱间接害死了她的情人，不得不说是一个极大的悲剧。

    另一个更让人悲酸的场景是卡瓦拉多西和托斯卡在性行前对美好未来和珍贵爱情的倾诉。我当时还不知道卡瓦拉多西会死，所以我纯粹为他们两人醉心的幸福歌唱而打动，在《星光灿烂》中，两个人看起来是那样的美，那样的神圣，那么的幸福，所以在看到卡瓦拉多西死亡时，我和托斯卡一样感到震惊。这时再来想想他们的约定和誓言，那些美妙的幸福之歌突然就显得悲酸而凄凉，那种在悲剧来临之前纯粹的美好期望，那种在对自己悲惨命运全然不知时的幸福咏叹，就蒙上了一层怵目惊心的血色，给人以巨大的震撼。我想相比于托斯卡，卡瓦拉多西应该是幸福的，他在对未来最美的期待中走向了死亡，而不必承受那真相带来突然的，巨大的绝望。

    我想《为艺术，为爱情》不应该单指托斯卡，在某种意义上也暗示了卡瓦拉多西的命运。因为卡瓦拉多西也是一位艺术家，他与托斯卡的爱情正是绘画与歌唱的艺术结合，同时他也为爱情而沉醉，更间接因为托斯卡的妒嫉和幼稚而死。他们在巨大的历史舞台上演绎着自己的艺术，爱情与命运，留给观众太多的思考。

    最后，为艺术与爱情而生的托斯卡闪开追捕者，旋风似地跑上城堡，向外跃身一跳，跌死了。士兵们被眼前发生的事惊呆了，脸色苍白地站立着，在管弦乐的猛烈咆哮声中全剧结束。也许这也是普契尼想暗示的，恋人们坠入艺术与现实间不可逾越的鸿沟里，摔得粉身碎骨。

    如果说歌剧往往因为华美的音乐和场景而使观众淡化情节，专注于艺术的表现形式，并忽略歌剧的社会意义的话，《弄臣》一定是个例外。

    古往今来，“弄臣”一直是个隐藏在历史细节中的灰色词汇，几乎所有人都无法对弄臣加以赞扬，而几乎所有的君王都有对弄臣的需要。说到这个问题我总会想起以前看电视剧《宰相刘罗锅》时印象很深的一个场景。乾隆问和砷，你到底是奸臣还是忠臣，和绅说我是个弄臣，我当时觉得这是和砷在乾隆面前说的巨大的实话。

    在极其伟大的艺术形式的表现下，威尔第将一个真实的欧洲封建社会政治历史图景在嘻笑与恸哭中深刻地展现出来，《弄臣》因而不朽。

    先说一下音乐。

    这部歌剧的音乐和威尔第其它歌剧一样，声乐旋律起着主导作用。音乐主要塑造了公爵、弄臣、弄臣的女儿三个人物的形象。弄臣黎哥莱脱是一个复杂的形象，他既是供公爵娱乐并帮公爵做坏事的宫中丑角，又是一个热爱女儿的不幸的父亲，同时还是一个残酷的复仇者。黎哥莱脱所具有的这些多方面的因素有机地形成一个不可分割的整体，在音乐中得到了鲜明的刻画。代表诅咒的音乐动机是这部歌剧的主导动机，阴暗而悲惨的小调形成一种类似呻吟的音调，这个音乐动机真实地描绘了黎哥莱脱内心的痛苦。当黎哥莱脱发现女儿被抢走，而自己又不得不装出满不在乎的样子用巧言妙语去打听女儿的去向时，其内心真情却遮掩不住地时时流露出来，以这种复杂的情感，威尔第表现得十分巧妙、细腻。他给黎哥莱脱安排了一首没有歌词的诙谐歌，描绘出不幸的弄臣假装出来的无忧无虑，但是，在简单的旋律进行里，却包含着他的不安和焦虑。当黎哥莱脱要求把女儿还给他时，他唱出了一首咏叹调《弄臣，道德败坏的子孙》，在这首歌中，他撕下了丑角的面目，表现出一个愤怒的、受损害受侮辱的父亲的形象。

    根据雨果笔下那个损人利已、四处寻欢作乐的公爵的形象，威尔第在第一幕开始的叙事歌《不管这个她还是那个她，对我还不都一样》里，描述了公爵的道德卑劣的形象。在公爵唱的《女人爱变卦》这首歌里，也鲜明地表现了公爵的轻浮、放荡。我查资料，据说在创作这首歌时，威尔第为了使这首歌不传出去，只期望在演出时取得出其不意的效果，直至最后一次排炼时才把它交给演员。演出时果然引起观众赞赏，并且再三要求重唱一次。于是，这首歌很快就成为世界上甚为流行的歌曲。这是一首圆舞曲式的歌曲，节奏轻佻，音调花俏，真是一个情场能手的绝妙写照。

    这首歌曲在剧情发展中反复出现，特别最后出现在阴森可怕的杀人的夜晚里，看来似乎很不谐调，但效果很突出，威尔第这种创作手法是完全符合雨果的浪漫主义精神的。

    《亲爱的名字》是一首著名的咏叹调，是姬尔达在充满爱情的心中，以吟诵调叫着公爵谎称的名字时所唱：“听到他的名字，使我惶惶不安，不知为什么，一切都显得可爱起来，……”这首曲调华丽、迷人，洋溢着浪漫主义的抒情气息，揭示了初恋的姬尔达那温柔多情、热烈而狂喜的内心世界。

    剧中一首四重唱，由公爵、玛达列娜、姬尔达和黎哥莱脱演唱，音乐表现了各自的性格特性，而在声音上却谐和地汇合在一起。它以公爵虚假浪漫的音调开始，玛达列娜以轻佻、嬉戏的跳音应付，接着是姬尔达失望而悲痛的叹息，最后是黎哥莱脱决心报仇雪恨的咬牙切齿的语言，四个主题忽而交错，忽而重叠，构成强烈的戏剧效果，是意大利歌剧中最杰出的四重唱之一。

    此外，还有两首二重唱可谓表现了此剧的中心思想。一首是公爵和姬尔达的二重唱，它以温柔的圆舞曲式的音乐表达着他们的情话：“想念我，爱情给予我生命的喜悦……”音乐表现了缠绵而匆促的情绪。另一首是黎哥莱脱和姬尔达的二重唱，描写父女相见时喜悦激动的情景，黎哥莱脱唱着亲切而动人的旋律，诉说女儿是自己唯一的慰藉，从甜美的曲调里表现了他对女儿无限的父爱，同时又以不安定的音乐描写姬尔达的温顺和激动。

    总之，《弄臣》的歌剧魅力在一首首咏叹调与重唱中发挥地淋漓尽致，但触动我的，却是对弄臣----黎哥莱脱的复杂刻画。

    在《弄臣》里，黎哥莱脱是最值得品味的一个人物。他是善与恶的共同体，狠毒与慈爱的复杂结合。不像一般作品中鲜明的善恶设定，黎哥莱脱是以个人性十足的，让人又恨又怜的真实的小人物。在做恶时，他毫不手软，心狠手辣，但又只是为了自己的生存，在身不由己的同时渐渐习惯并麻木。但是，一旦涉及到自己的女儿，他又成了世界上最伟大的父亲，让每一个人都如此动容，那种不带一丝虚假的，纯粹的爱，成为黎哥莱脱人性中最美丽的亮色。这种爱同样可以驱使他去雇人谋杀，爱在人性的矛盾中摇摆，爱在善恶之间成为刻骨铭心的名词。

    同时，对于吉尔达的做法，我完全不能认同，难道她不能理解她这样的做法给她的父亲带来的伤害？难道她不知道她这样做全是枉然？

    也许这就是在生活，爱情与善恶中挣扎的人们的宿命。

    说到埃及，我们能想到的总是那些漫漫黄沙中的古庙与无数疑云笼罩的神话，驼铃响处笼罩着历史沧桑的烟尘，大气仿佛都由此凝重。法老们在千年的喧嚣与静默中沉睡，守护着王朝辉煌却漫漶的古老画卷，每一秒都似永恒。

    史学家曾经说过，埃及人的历史从恺撒开始就走向了不同的轨迹，千年来西方人的身影在每一个历史的断面中穿插。可以说现代埃及的历史是由西方人纪录的，埃及的每一个神秘的叹息都成了好莱坞电影的大热题材。于是我们惊讶地发现一个古老的埃及竟然走进歌剧里来了，而且被演绎地如此辉煌，如此动人。

    应该说《阿伊达》对于埃及是珍贵的，虽然它同样是西方文明的产物，但这部由埃及总督帕哈为庆祝1869年峻工的苏伊士运河工程而邀请威尔第所作的歌剧对于一个独立的埃及，新兴的埃及来说，无疑是西方文化对于埃及古文明最美的回馈。

    歌剧的情节倒并不复杂，但它却又一次让观众思考了人类历史上的一个漫长疑问：爱情与道德，孰轻孰重？

    对于现代人来讲，社会所认同的道德大概要高于爱情，但是在人类的历史中，道德标准一直在演变摇摆，可以说人类历史上从没有一个让古往今来所有人都认同的道德完美的圣徒，也不会有一个人性中没有任何闪光点的纯粹的恶棍。即使是耶稣也曾有对尚未皈依基督的人民的偏见，即使是希特勒我们也不能否认他对民族的深爱与忠诚。我们不断在为历史人物“重新定位”“平反”，正因为我们不再用当时的眼光去看待他们的言行。道德对于人类社会来讲是理性的结晶，但是它在不同的时间，空间里，标准大相径庭。道德的嬗变正反映了人类社会的多元化和自我完善，从道德标准的差异和变更上，我们能窥见一个民族或一个历史时期的人类的生存状态。可以说，道德是人类的创造，更是人类文明的一面镜子。

    与道德截然不同的是，爱情不是人类的创造，而是人类本性中不可改变的生命情感。虽然爱情看似在不同时空中也受许多因素的制约，但我们很简单便能发现，社会因素制约的从来只是爱情观，而不是爱情本身。爱情在人类理智的约束下反映的形式不同，但它的本性总是狂放伟大而不羁的，既可以成为世上最美的情感，它的不确定性和感性的一面也甚至可以毁灭人类本身。但是人类在数千年的发展史中从没有停止过对爱情的追求，爱情也成为所有不同形式的文艺作品中一个永恒的主题，可见其伟大的，人本的力量。

    正因为爱情是个人的天性而道德是社会的创造，爱情与道德经常会发生碰撞，威尔第把这种平时看来可以轻易化解的碰撞搬进一个古老的历史舞台，并以国家和生命作为碰撞的赌注，自然使矛盾得到空前的激化而慑人心弦。可以说，剧中的每一个人都是道德又不道德的：拉达梅斯为了埃及的强大而战斗，是个民族英雄，同时他也以侵略者的面貌出现在爱人的祖国；阿伊达在痛苦中追求真爱，遵从父亲的嘱咐却害死了自己的爱人；安娜丽斯追求着看似本该属于她的爱情却在使尽手段后留给自己无边的空寂；阿莫那斯罗用最勇敢的心保护着自己的祖国和人民却利用并葬送了女儿的爱情。所有的一切都是悲剧而所有的一切看来都无可厚非。对于《阿伊达》每个人心中都有是非评判，正如每个人心中都有一个哈姆雷特。在不同的情况下我们会有不同的判断，爱情和道德都有自己的底限，所以这个争论也永远不会有定论，但是人类不会被这个问题困扰，因为人类有自己的智慧与信条。

    有时候我们看歌剧不用想得这么复杂，只要能为剧中的某个片断所打动便已足够，这里就要说说音乐。剧中最著名的当然是第二幕第二场拉达梅斯凯旋归来时的唱段，后被改编为管弦乐曲和管乐合奏曲，称为《大进行曲》或《阿伊达进行曲》，是进行曲中最为人们所熟悉的作品之一。这首歌真正反映了埃及，一个古老的大国当时无与伦比的历史气质与无上辉煌。而阿伊达与安娜丽斯的二重唱《爱情与烦恼》，更会让人心生感动。其实所有的争论在最后都显得无意义，因为当拉达梅斯被叛死刑时祭司们的道德似乎战胜了爱情，但当阿伊达在地牢中与拉达梅斯共同赴死时，地下的爱情超越了地上的世俗而获得了亘古的永恒。

    回到主题吧。为文章起这个题目，是因为在这部歌剧中我看得最重的其实是西方式的艺术形式中透露出来的瑰丽的古国气质与东方文化。我们的面前的埃及史是西方人写的历史，我们面前的埃及是已经开发完善的现代观光国。我们失落了曾经的驼铃曾经的宫殿只能在《木乃伊》这样的美国电影里唤回一点刺激的想象。《阿伊达》并不华丽，演员们歌声震撼形象上却明显不合大多数人的口味，以至于与多明戈唱《纯洁的阿伊达》并为她的魅力所打动时我看着那女演员没有太大共鸣。但是《阿伊达》的故事舞台却俨然是一个被认真还原的古埃及，没有诅咒没有木乃伊没有大片宣扬的一切要素却朴素厚重得格外动人。

    也许历史上本没有一个叫阿伊达或安娜丽斯的公主，没有一个叫拉达梅斯的将军，但这都不重要。《阿伊达》让我们知道，古埃及还活着，在那些巍峨的金字塔下，在那些古老的故事里。

    应该说歌剧是一种阳春白雪的艺术。
    高亢的歌声，诗意的言辞，华丽的乐音，绚烂的画面，都昭示着歌剧的魅力。光影明灭中大师走来，无数鲜活的脸孔在时光变幻中渐行渐远，生长成为诗意的名词。
    也许《茶花女》的故事在现代看来是有一点儿俗套的，但一旦表现在歌剧当中，便有了别样动人的魅力。美丽的交际名媛和一个真正爱她的青年的故事，带一点儿浪漫，带一点儿凄美，又带一点儿悲凉，这些情节元素对于一部好歌剧来说足够了。歌剧是一种在形式上造诣极高的艺术，一个情节简单的好故事，在那些感情激荡的演绎下能够重生为不朽的艺术精品。于是那些华美的画面和经典的乐音让一个美丽的茶花女的爱情寂寞又喧闹地绽放，延伸至幕后依然不老。
    这里主要说的是第一幕，既然不是专业评论者，专业评论也被人写烂了，我不妨谈谈自己的感性认识。
    这个故事的开场是极有艺术感的。一个在待拆的大屋里寂寞地与疾病为伴的女子，一开始就让我们感受到，我们的女主人公是如此不幸而柔弱。墙边油画中美丽鲜活的脸孔似乎也在嘲笑画中人此时瘦弱的病容。然而这样的薇奥莱塔在镜中看到昔日的幻象时脸上仍然露出了惊喜与愉悦的向往，也许这是一个美丽的名媛下意识地对昔日喧闹华美生活的依恋。当然，也许这时在内心里她更是幸福地回想着和—的邂逅。于是瞬时间时空转换，金碧辉煌间华灯已上，觥酬交织间笑语声声。我们在这强烈的艺术对比中被带入了巴黎迷梦般的上流宴会中，自然又梦幻的，使每个人在惊叹中进入情境而浑然不觉。
    其实巴黎早已不是一个单纯的名词，她的背后历史不断坍弛而新生。千年来她负载着太多的血泪太多的浪漫太多的刀光剑影太多的纸醉金迷。巴黎是一个符号，历史的文化的艺术的，每个印记背后都是故事。所以在这样一场歌剧式的华丽盛宴里我们再一次被震撼。
    绅士们翩翩行礼，女士们优雅问好，当然这些是必有的表象，其间也多有不和谐的庸俗。重要的是我们的女主人公逦迤而来，欢快地，高雅地，穿行于人群间播撒欢笑。酒杯碰撞间人们恣意寻找着快乐，忘记忧虑和太多的顾忌。歌声当然是高亢温暖的，衬着每个人明朗的脸。在这时薇奥莱塔至少表面上是满足的，她的美丽使她成为焦点，她享受着这抵御寂寞的灿烂光华。
    宴会的高潮就在这著名的《饮酒歌》中来临了。我虽然不怎么研究歌剧，不过这耳熟能详的旋律还是马上让我感到了亲切。平时也弹钢琴，所以也稍稍懂得一些这段旋律别样的悠扬与编曲的精湛。在快速的转音中又有着如一的和谐曲调，独唱与合唱的结合中透着祝酒的激情与快乐，让整个宴会的气氛骤然高亢。在座的每一位客人，不论平时性格如何，生活是否如意，至少在这样的歌声中饮酒的一刻，他们是幸福的。他们见证了最华美的宴会上最美丽的名媛和她的祝酒，并在群体的欢乐中忘记平日的琐碎的悲欢。也许这正是上流社会的人们摆脱空虚的最好途径，而今夜他们的目的已达到。
    然而正如一切文学作品中必然要塑造的，一个美丽的女主角背后不可能有单调的故事，所以我们的薇奥莱塔照例摆脱不了内心的寂寞与空虚，在明知自己有疾病的情况下强颜欢笑，更是真心渴望着被爱。罗多尔夫的出现是适时的，尽管他声称自己爱了她有一年，但是只有在今夜，他的言语才真正引起了薇奥莱塔内心的共鸣，点燃爱情的烛火。
    他们之间的对话无疑是极其浪漫感人的，不过那些冗长的誓言谁都会说，我也不太能够记得。第一幕的后期最打动人的无疑是薇奥莱塔内心的挣扎。这时场景也有了很大的转变，当华灯隐去，黑夜与空寂笼罩屋子的时候，薇奥莱塔感受到了内心的巨大孤独与对真爱的渴望，当然还有对自己期望的不信任。灰暗的布景起了极大的烘托作用，衬出薇奥莱塔难以抉择时的激动、痛苦和无奈。一个美丽的交际名媛，她能信任这个自称爱她的男子吗？虽然他恳切的言辞确实撼动了她内心的壁垒，然而又有多少男人在热烈地追求她，而他看起来并不是那么与众不同。她能为了一个突然的爱情放弃自己已经习惯的华丽多彩的生活？要知道至今为止这是唯一能让她感到一些快乐与充实的事物，虽然它们转瞬即逝。然而此时的薇奥莱塔是矛盾的，但更是期盼真爱的，她在渐重的疾病中寻找这幸福的火光。最后在那个纷乱的雨夜薇奥莱塔独自做出了选择，她要去相信这份爱，过上自由的，远离纷扰的温暖生活。
    于是薇奥莱塔的爱情开始了，她的幸福与悲剧也开始了。第一幕在这样的黑夜里悄然结束，意味悠远。这一幕从凄凉到喧闹，从喧闹到冷清，艺术的倒叙述说了薇奥莱塔爱情的伊始，然而又在一开始便给出了她凄清的结局，让人感到无限惋惜。罗多尔夫临走时薇奥莱塔送了一只茶花给他，并告诉他茶花枯萎时再来见她，也许这是一种命运的暗示吧。薇奥莱塔如此精心地播种着自己珍贵的爱情，却在生命枯萎时才得到爱人的忏悔与体谅。这是文学式的悲哀，歌剧式的悲哀，也许，就是生活的悲哀。悲剧伸展着自己绝美的翅膀在泪水间舞蹈，我们的目光在每个镜头中流连忘返。
    我们在第一幕以后看到了很多不同感觉的薇奥莱塔。有初得爱情时的纯真欢快，有不得不放弃时的悲伤痛切，有舞会上再会时的心痛隐忍，也有生命将逝时最后的不甘与幸福。然而我们忘不了那个最初的，在完美的外表下自然地表现着高贵与活力的薇奥莱塔，那个茶花一般的女子，她最轰轰烈烈的爱情在那里萌生，在后世无数的文字里开放得声色无边。
   
这个。。。建筑与西方歌剧的作业。。。